The Wire

The Wire - Caratula DVD

Año: 2002-2008

País: Estados Unidos

Duración de los Episodios: 60 minutos

Sinopsis: Serie policial ambientada en los barrios de la ciudad de Baltimore que explora el mundo de la drogas y la lucha de un grupo de policías por erradicar este grave problema pese a las limitaciones de presupuesto, la burocracia y la corrupción.

Critica: Cuando comencé a escribir en este blog no esperaba hablar alguna vez sobre una serie de televisión, sin embargo; una joya de la cadena HBO llamada The Wire, me ha obligado a hacerlo.

The Wire es tan buena en cada simple aspecto que puede hacer buena una serie (o incluso una película) que me es difícil siquiera escoger por donde empezar, pero como por algún lado hay que hacerlo, creo que me decantaré por mi elemento favorito: el guión. Dicho aspecto en The Wire raya en la genialidad: la historia es profunda y se desenvuelve a buen ritmo, explora todos los aspectos asociados al mundo de la droga y a los agentes del orden encargados de combatir este flagelo y para además los diálogos son brillantes y afilados.

El buen guión unido a las grandes actuaciones, genera unos personajes creíbles, profundos y que logran despertar una gran empatía por parte del espectador.  Es fácil identificarse con las motivaciones fundamentales de cada grupo, no importa si se trata de traficantes de droga o policías, pues todos son profundamente humanos y su comportamiento es completamente natural dado el medio donde se desenvuelven. Una de las cosas que más me llamó la atención de la serie es precisamente que no muestra policías infalibles al estilo CSI, sino personas vulnerables que no solo deben enfrentarse a traficantes con un elevado nivel de organización y que además deben hacerlo enfrentando sus propios problemas personales, de corrupción, de burocracia y múltiples limitaciones tanto de presupuesto como de tecnología.

The Wire - Personajes

Otro elemento interesante es cómo The Wire explora el problema de las drogas a todos los niveles, desde los cabecillas que dirigen la operación hasta los encargados de distribuir la droga al consumidor final, todos enfrentando distintos retos, distintos panoramas, peligros y ocupaciones. Creo que es el retrato más profundo del mundo de las drogas que he tenido la oportunidad de ver o leer. No hay un solo eslabón de la cadena que quede afuera de la exploración, en ninguno de los dos bandos que se enfrentan en esta obra maestra. Tampoco los consumidores o el impacto que este flagelo tiene a nivel social, político y económico quedan fuera del foco de la serie.

Finalmente la dirección es genial, con un tono sobrio y un estilo intimo que nos acercan a los personajes. La fotografía, por su parte, acentúa el tono sobrio y opresivo de la obra.

En conclusión The Wire es una obra maestra absolutamente recomendable, con episodios que vistos de forma individual tienen una calidad de dirección, guión y actuaciones que están al mismo nivel que una (muy buena y oscarizable) producción de Hollywood.

Puntuación: 9/10 (Muy Buena)

The Walking Dead de Robert Kirkman

The Walking Dead - Portada Primera Entrega

A menudo observo obras dentro de ciertos géneros de expresión artística que merecen trascender el público al cual se dirigen. Para mí, eso es lo que merece este gran trabajo de Kirkman. The Walking Dead es una expresión de arte recomendable incluso para aquellas personas que no sean seguidoras del comic y en las siguientes líneas pienso exponer las razones sobre las cuales se sustenta mi opinión.

The Walking Dead es un comic de publicación mensual, que relata las vicisitudes de un grupo de personas que tratan de sobrevivir a un apocalipsis zombie. A partir de esta corta introducción, paso a exponer la primera y más importante razón por la que no deberías dejar de leer esta obra: su insuperable desarrollo de personajes. El autor construye de forma magistral la psicología de distintos personajes, que son capaces de impresionar no solo por su realismo si no por la gran diferencia que existe entre los mismos. Particularmente esto último sirve para generar un contraste que resalta aun más la profundidad de cada uno de ellos. The Walking Dead no es el clásico producto de zombies, donde los personajes son torpes, vacios y poco nos importa lo que pueda pasar con ellos. Por el contrario, son increíblemente humanos y sus instintos, pensamientos y acciones nunca nos dejaran indiferentes.

The Walking Dead - Personajes

El desarrollo de personajes dentro de la obra de Kirkman y todo el drama que se teje a su alrededor es tan sobresaliente que por muchos momentos se olvida que lo que se está leyendo es un comic de zombies. A veces puedes llegar a sentirte indiferente con respecto a los motivos que generaron la situación de la que estas siendo testigo, más aun cuando el autor, para apoyar el énfasis en los personajes, prescinde de los zombies durante muchas entregas de la obra.

El segundo motivo por el cual la obra de Kirkman es de revisión obligatoria es la exploración que hace el mismo en relación a la condición humana, una vez que el tejido social comienza a desintegrarse. Esto también está muy relacionado con el primer punto (el excelente desarrollo de personajes). El autor utiliza muchas páginas de la obra para desarrollar la idea que se resume en aquella famosa frase popularizada por Hobbes: “Homo homini lupus” (el hombre es un lobo para el hombre). Así, Kirkman construye un fabuloso estudio antropológico, donde explora la cara más obscura del hombre.

The Walking Dead - Cazadores

El tercer punto que convierte a The Walking Dead en una obra impresionante es su calidad narrativa (aunque debo decir ha decaído mucho en el último tramo de lo que se ha publicado hasta ahora). Kirkman sabe como explotar cada fascículo del comic, generando arcos argumentales interesantes que se desenlazan de forma sorprendente y sin truculencias. En relación a este punto, espero que Kirkman sea capaz de determinar el momento adecuado para cerrar la obra, dado que como mencioné anteriormente, el desarrollo argumental ha ido perdiendo fuelle con el paso del tiempo. Espero que no se siga alargando de manera artificial y forzada un trabajo que hasta el momento ha sido resaltante por su gran calidad.

La razón final para disfrutar la obra de Kirkman está más dirigida a los fanáticos del género zombie. The Walking Dead tiene un valor dual, al rendir tributo a las obras clásicas del género (particularmente a las películas de George A. Romero) y a la vez hacer aportes particulares que renuevan e inyectan nueva vida al mismo.  Una obra imprescindible para cualquiera que se precie de ser fan del genero.

Puntuación: 7/10 (Buena)

Plataforma de Michel Houellebecq

Plateforme - Michel Houellebecq

Debo aceptar que a fuerza de calidad Houellebecq se está convirtiendo en uno de mis autores contemporáneos favoritos. En el caso de la novela que me ocupa en este análisis, Plataforma, Houellebecq vuelve a retratar uno de los temas recurrentes en sus obras: el problema de la deshumanización en la sociedad occidental.

En el caso particular de Plataforma, el autor hace una interesante descripción de la industria del turismo en Europa (con énfasis en Francia) y particularmente se detiene en la industria del turismo sexual, exponiendo con sumo cuidado la situación de países como Malasia y  Cuba. En ese contexto, Houellebecq nos narra la vida de Michel, un solitario francés de mediana edad con una visión pesimista y apática del mundo que lo rodea. En un viaje de turismo sexual a Tailandia Michel conoce a Valérie, una mujer que cambia su pesimista y apática visión de la vida y que lo hace creer en una existencia distinta a la que ha tenido hasta el momento de conocerla.

Michel es el clásico personaje-narrador de Houellebecq, completamente apático en relación a la sociedad que lo rodea pero con un intelecto afilado y siempre dispuesto a revisar de forma profunda los acontecimientos que toman lugar a su alrededor. Un personaje que, al contrario de lo que sucede con la sociedad como conjunto, se da cuenta y está perfectamente consciente de la dirección que está tomando su existencia. No hace nada para detener lo que le sucede, se siente ajeno a cualquier acción que pudiera tomar para cambiar el rumbo de su vida, pero al menos dentro de su apatía es capaz de entrever la pérdida de valores del mundo que lo rodea .

Al igual que en otras de sus obras, en el caso de Plataforma la sexualidad tiene un peso importante dentro de los fundamentos del libro. En este caso particular, la deshumanización se ve reflejada de forma explícita en la consagración de ciertos valores dentro de la sociedad occidental, que han convertido el acto sexual en un mero mecanicismo lleno de reglas y consecuencias y donde se ha perdido la voluntad de entrega. La tesis expuesta por Houellebecq es pues, que el amor entre individuos consagrado a través del acto sexual se ha convertido en una llana utopía, en un mundo en el cual los seres humanos son incapaces de abandonar su propia individualidad con el sencillo fin de dar placer a un semejante. Pese al tono provocador en el que se expresa, el mensaje de Houellebecq es de una brillantez rotunda. Se puede dejar de lado todo el tema del sexo y el punto sigue siendo el mismo, la soledad, la deshumanización, la incapacidad generalizada del ser humano para poder salir por un momento de su propia coraza con el fin de acercarse emocionalmente  a un semejante.

En términos generales Plataforma me parece una obra genial. Sigue siendo un libro empapado en una visión pesimista y desesperada de la sociedad occidental, como sucede en todo trabajo de este polémico autor, sin embargo eso no le resta ningún valor. Sigo apreciando de especial manera, la forma llana y sencilla que tiene Houellebecq de explicar temas tremendamente profundos y complejos a través de las simples reflexiones de sus personajes. Lo que no se puede negar es que Plataforma conserva el tono provocador del resto de los libros del autor, atacando al sistema de valores de la sociedad occidental, a ciertos estamentos sociales e incluso a la religión musulmana, sin embargo, se debe saber dejar de lado aquellos aspectos que nos pudieran resultar ofensivos para poder disfrutar a plenitud de la calidad narrativa de Houellebecq.

Puntuación: 7/10 (Buena)

Lolita (Película)

Lolita - Cartel Promocional

Año: 1962

Director: Stanley Kubrick

País: Inglaterra

Duración: 152 minutos

Sinopsis: Basado en el famoso libro homónimo de Vladimir Nabokov, sobre el cual puedes leer una crítica aquí. La película narra la historia de Humbert Humbert, un profesor maduro que se enamora perdidamente de una niña de 14 años.

Crítica: La Lolita de Kubrick es apenas una pálida adaptación del gran libro de Nabokov. Totalmente restringido por la censura, Kubrick nos entrega una obra edulcorada aunque no carente de calidad.

El personaje principal en la película de Kubrick, el profesor Humbert Humbert, es apenas una pálida sombra del obscuro personaje del libro de Nabokov, pese al gran trabajo de James Mason. En la película pareciera que Humbert Humbert se enamora accidentalmente de una adolescente, dando la impresión de que es un hecho aislado, que aunque reprobable, está muy lejos de la obscura obsesión por esas “especiales” adolescentes (nínfulas) por las que tanto sufre el personaje de Nabokov. De igual forma, Sue Lyon en el papel de Lolita carece del atrevimiento y la dualidad de carácter del personaje original. Otra diferencia fundamental con el libro de Nabokov radica en la importancia que le da Kubrick al personaje de Clare Quilty, con el que Peter Sellers comenzó a mostrar esa capacidad multifacética que posteriormente lo llevaría a la fama. Pese a la gran interpretación de Sellers, debo decir que varias de las escenas en las que participa generalmente se ven algo forzadas (innecesariamente alargadas) y rompen en cierta medida con el ritmo narrativo de la obra.

Escena Lolita - Humbert Humbert (James Mason) y Lolita (Sue Lyon)

El principal problema que aqueja a la obra de Kubrick es la inmediata y natural comparación con la Lolita de Nabokov, pues la falta de crudeza de la primera es notable (aunque justificable si se considera la censura de la época). Sin embargo, debe señalarse que Lolita es una película genial, con un buen guión (en el que participó el propio Nabokov) con la siempre fantástica dirección de Kubrick y con un reparto que entrega magnificas actuaciones (especialmente la de Mason).

Cabe destacar que en 1997 se hizo otra adaptación del libro de Nabokov, cuyo valor como obra cinematográfica es bastante reducido. La dirección de Adrian Lyne es pésima y la última hora de la película carece totalmente de ritmo; sin embargo, tiene un par de detalles rescatables si hacemos una sacrílega comparación con la obra de Kubrick. Lo primero es que en la película de Lyne sí se nos introduce el problema de Humbert Humbert como algo crónico, además de darnos una breve reseña sobre el origen de dicho problema. Lo segundo es que la actriz que encarna a Lolita (Dominique Swain) es capaz de transmitir la dualidad del personaje de Nabokov, reflejando de gran forma los cambios que tanto desquician al obsesionado Humbert Humbert. Pese a sus bondades, y al contrario de la obra de Kubrick, la Lolita de Lyne está muy lejos de ser de visionado obligatorio.

Lolita de Adrian Lyne - Cartel Promocional

Puntuación: 7/10 (Buena)

Lolita de Vladimir Nabokov

Lolita – Vladimir Nabokov

«Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas. Pecado mío, alma mía. Lo-li-ta: la punta de la lengua emprende un viaje de tres pasos desde el borde del paladar para apoyarse, en el tercero, en el borde de los dientes. Lo. Li. Ta. Era Lo, sencillamente Lo, por la mañana, un metro cuarenta y ocho de estatura con pies descalzos. Era Lola con pantalones. Era Dolly en la escuela. Era Dolores cuando firmaba. Pero en mis brazos era siempre Lolita.»

Inicio este post con una cita del párrafo que sirve de magistral arranque a esta gran obra de la literatura. En ese inicio se definen dos de las más importantes características de la obra de Nabokov: una narración que lleva el estilismo a sus últimas consecuencias y el gran poder del autor para evocar imágenes en la mente del lector, una habilidad que a lo largo de toda la novela, prácticamente raya lo cinematográfico.

La narración en Lolita ocurre desde la perspectiva interior y subjetiva del personaje central: Humbert Humbert, siendo el lector invitado a introducirse en la oscura, aunque muy humana, psique del personaje. Humbert Humbert es un hombre enfermo, consumido por una obsesión pederasta y con una moral propia, ajena a la sociedad. El retrato que Nabokov hace del personaje es minucioso, y el lector llega a comprender perfectamente sus motivaciones, aún cuando las desapruebe. Así, aunque no se esté de acuerdo con el objeto de las pasiones de Humbert Humbert, Nabokov desarrolla un personaje profundamente humano; con motivaciones que se transparentan al lector y con el cual se puede llegar a sentir algún grado de identificación.

Cabe destacar que aunque Lolita fue publicada en 1955 en París por una editorial famosa por sus novelas eróticas y pornográficas, después de ser rechazada por varias casas editoriales en los EEUU debido a su temática, no se trata de una novela erótica ni mucho menos pornográfica. Pese a que Lolita narra la historia de un profesor pedófilo que mantiene relaciones incestuosas con su hija adoptiva, no hay un solo pasaje en el libro que describa alguna situación de carácter sexual. Aclarando eso, tampoco se puede negar que Lolita es un libro fuerte, no en el sentido ya mencionado, si no en la construcción que hace Nabokov de Humbert Humbert y sus desviadas pasiones. Ciertamente, en ocasiones, el personaje central de la novela puede llegar a ser especialmente perturbador.

Pese a lo anterior, nadie debería dejar de leer este libro, porque más que el fondo, más allá de la historia, el aspecto que más destaca en el libro es el uso estilístico del lenguaje, que Nabokov lleva a niveles de sofisticación inverosímiles. Humbert Humbert, el personaje que conduce la narración, se deleita con el lenguaje, lo disfruta, lo mastica y lo saborea a más no poder.

Contrastando con la profundidad y capacidad reflexiva del personaje central, los otros personajes de especial relevancia en la obra, son marcadamente superficiales: Lolita es una típica adolescente americana, más preocupada por revistas e ídolos del cine que por cualquier otra cosa que involucre un intelecto o una sensibilidad especial. Charlotte Haze, la madre de Lolita, es una mujer madura, pacata, hipócrita y completamente superficial, que vive su vida en función de proyectar una imagen de mujer respetuosa de las normas sociales y religiosas. De Quilty no podríamos decir que es un personaje superficial, porque lo que sabemos de él es solamente el grupo de elementos que lo convierten en enemigo acérrimo de Humbert Humbert, visto desde la apreciación completamente subjetiva de éste último.

En conclusión, Lolita es un libro de frustraciones, de pasiones prohibidas llevadas a cabo pero sin un final feliz. De un personaje principal que no ama al objeto de sus pasiones, si no que como el mismo se figura en algún momento, está obsesionado con su imagen del objeto, con las características que el mismo le otorga. Lolita es un viaje estilístico desde la perspectiva del lenguaje, un viaje que se disfruta independientemente de la historia, del fondo de la obra. Un libro imperdible para cualquier aficionado a la lectura.

Puntuación: 8/10 (Notable)

Naked Lunch de William S. Burroughs

Naked Lunch - William S. Burroughs

Naked Lunch (El Almuerzo Desnudo) es un libro complejo, con una narración no lineal y cargado de un importante tono crítico aderezado con mucho humor negro.

En sentido general, el libro narra las experiencias de algunos personajes sometidos al efecto de distintos tipos de droga, así como las experiencias de los mismos en relación a ciertas prácticas sexuales tabúes (sadomasoquismo, orgias, relaciones homosexuales, etc). Se podría decir que el libro trata sobre las aventuras del alter ego de Burroughs, un drogadicto llamado William Lee; sin embargo, existen numerosos pasajes del libro (el autor los llama «viñetas») que no tienen ninguna relación con lo anteriormente mencionado y se centran en narrar las experiencias de diversos personajes. Considerando lo anterior, es difícil establecer una trama en Naked Lunch, dado que los distintos pasajes o «viñetas» que conforman el libro gozan de cierta coherencia interna pero  mayoritariamente no tienen relación alguna entre sí.

Dicho lo anterior, se debe mencionar que el estilo de escritura de Burroughs es bastante particular y decididamente experimental. En el libro, el autor desgarra las estructuras tradicionales de la narrativa y consigue una obra completamente surrealista, alejada de toda lógica y razón. En ese contexto el lenguaje se usa de una manera discrecional, a completa merced de la experimentación. Lo anterior tiene dos vertientes a lo largo del libro: en algunos casos Burroughs es capaz de evocar imágenes mentales tremendamente potentes, psicodélicas y originales; por otra parte, algunos pasajes de la obra llegan a ser parcialmente o completamente incomprensibles, lo cual no afecta mucho el disfrute de la lectura dada su estructura no lineal.

Otro punto fuerte de la obra de Burroughs es su tono provocador. El libro está cargado de un lenguaje soez (completamente intencional) y expone situaciones escatológicas que golpean con fuerza al lector de moral conservadora. En general el libro de Burroughs está impregnado de una fuerte dosis de sátiras y humor negro que pretenden atacar la posición conservadora de la sociedad en la época en la que escribió el autor (los EEUU de los años 50). En ese sentido Burroughs dispara contra todos: la homosexualidad (en algunos casos narrando fuertes escenas de sexo explicito, en otras, utilizándola en un sentido peyorativo), la sexualidad en general, la iglesia, las religiones, los órganos de justicia, etc.

Para cerrar, debo decir que Naked Lunch no es apto para cualquier lector. Sólo lo recomiendo para aquellas personas que sean capaces de disfrutar un producto sin mucha lógica, sin una trama definida, sin coherencia interna; un libro que en general resulta más interesante por su forma que por su fondo.

Puntuación: 6/10 (Interesante)

Bram Stoker’s Dracula (Película)

Dracula's Bram Stoker - Cartel Promocional

Año: 1992

Director: Francis Ford Coppola

País: Estados Unidos

Duración: 130 minutos

Sinopsis: Adaptación de la novela «Dracula» de Bram Stoker. La historia transcurre durante el año 1890, cuando el joven abogado Jonathan Harker viaja a un castillo perdido de Transilvania, donde conoce al conde Drácula, que en 1462 perdió a su amor Elisabeta. El Conde, fascinado por una fotografía de Mina Murray, la novia de Harker, que le recuerda a su antiguo amor, traza un ambicioso plan para ir en su búsqueda y conquistarla.

Crítica:  Bram Stoker’s Dracula destaca por una estructura narrativa que respeta con rigor lo establecido por Bram Stoker en su famosa novela. En ese sentido, tanto en la novela como en la película, la narración gira en torno a cartas, diarios y documentos de diferentes personajes, cada cual con su particular perspectiva.

Por lo anterior y por otros muchos detalles (como el carácter dado a los personajes y los pasajes del libro copiados al calco) se observa el respeto de la adaptación de Coppola por la novela de Stoker; sin embargo, hay una clara diferencia, que en mi opinión, hace que por momentos la adaptación de Coppola supere en alguna medida a la fuente de la cual bebe. Particularmente, me gustó el carácter dual que se le imprimió al conde Drácula en la película. En la obra de Stoker, Drácula es la encarnación del mal puro. Un mal muy antiguo que pretende adaptarse a los nuevo tiempos y convertirse en un azote para la sociedad moderna. La  obsesión del conde por Mina Murray parece secundaria y casual en cierta medida. En el caso de la adaptación de Coppola, la maldad del conde queda relegada a un segundo plano y es el amor inmortal y la obsesión por su amada el hilo que mueve al personaje principal. El espectador puede llegar a sentir cierta identificación y simpatía por Drácula, que conserva cierta humanidad pese a seguir representando esa figura de maldad proveniente del viejo mundo.

Otra acertada diferencia entre la adaptación de Coppola y el libro, es el tratamiento de las emociones en la película. En el libro los personajes son fríos, la narración es casi mecánica; tremendamente lógica, eso sí, pero a costa de las emociones. Por su parte, la película de Coppola es un cuerpo de palpitantes emociones, prácticamente se puede tocar la voluptuosidad en muchas escenas. Particularmente es excepcional la forma en que se trata la sensualidad que siempre ha acompañado al mito vampírico. Considero que es una de las pocas veces que he visto una película en la que realmente se puede llegar a sentir toda la sensualidad que teóricamente debería acompañar a un vampiro.

Dracula's Bram Stoker - Mina y Drácula

En relación a las actuaciones, Bram Stoker’s Dracula cuenta con un grupo de actores geniales que hacen un gran trabajo. Partiendo por Gary Oldman, un actor que en mi opinión siempre ha estado subvaluado, y siguiendo por Hopkins, las actuaciones están a gran altura. De Oldman nada que decir, está sencillamente genial en su papel. Hopkins en ocasiones peca de histriónico, sin embargo no desentona tanto con la personalidad excéntrica que se le quiso dar al personaje del Profesor Van Helsing. Ryder hace un gran papel y Reeves está a la altura de su mediocridad habitual. Cabe destacar que en el caso de Reeves, ocurre lo mismo que con Hopkins: el enfoque de su personaje se adapta al actor, con lo cual se oculta un poco sus carencias. Dicho de otra forma, en la adaptación de Coppola Jonathan Harker es un personaje bastante apocado y frío, lo que combina perfectamente con las capacidades actorales de Reeves.

Dracula's Bram Stoker - Conde Drácula (Gary Oldman)

 En relación a la dirección, Coppola hace un gran trabajo con los juegos de luces y sombras y con la estética neogótica que está impresa a lo largo de toda la película. Me parecieron particularmente interesante ciertos juegos con el espacio que se hicieron en algunas escenas del castillo. En algunas de las mencionadas escenas se llega a sentir cierta confusión en relación al espacio, a las dimensiones de las habitaciones a la posición de personajes y objetos, lo que contribuye a recrear la atmosfera que envuelve al personaje de Drácula.

Puntuación: 8/10 (Notable)

Reservoir Dogs

Reservoir Dogs - Cartel Promocional

Año: 1992

Director: Quentin Tarantino

País: Estados Unidos

Duración: 99 minutos

Sinopsis: Seis criminales, que no se conocen entre sí, son contratados para llevar a cabo un importante robo a un almacén de diamantes. La policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre que tiene como resultado las muertes de algunos policías, empleados y también de un par de criminales. Los miembros sobrevivientes de la banda se reunen en el punto de encuentro y discuten sobre la posibilidad de que exista un infiltrado.

Crítica: Reservoir Dogs, una gran joya del cine independiente, es la opera prima del genial Quentin Tarantino. A lo largo de la película Tarantino dibuja lo que a la larga se convertirán en algunos de sus sellos distintivos, como lo son el montaje (con una estructura que desafía los términos tradicionales de tiempo y espacio en el cine) y los intensos diálogos, llenos de un profundo ingenio.

Una de las primeras cosas que llaman la atención sobre esta obra es su estructura. La película empieza en un punto avanzado de la historia y va transcurriendo hacia su desenlace, a la vez que se nos va dando detalles sobre lo ocurrido en un pasado que no vimos pero que es importante para entender lo que está sucediendo. Algunos años después Tarantino perfeccionaría sus elaborados e intencionalmente desestructurados montajes en Pulp Fiction.

La otra gran fortaleza de las obras de Tarantino son los diálogos. Los personajes, no importa si se trata de matones de baja calaña, conversan sobre banalidades o temas profundos con agudo ingenio y con una muy buena dosis de humor negro. Los diálogos llegan a ser tan importantes para Tarantino, que en su opera prima desplazan totalmente a la acción. La historia gira en torno a un hecho (el asalto a la joyería) que apenas y llegamos a ver en cortos pasajes. Pero eso no es relevante para el espectador. Con Tarantino, la acción es un accesorio, lo importante es que los personajes no callen, que los diálogos sigan fluyendo. Esa es su baza y su principal marca como director.

Por otra parte, los actores cumplen con creces con sus papeles. Particularmente Buscemi y Madsen entregan unas esplendidas actuaciones, aunque el resto del elenco no desmejora. Tarantino también tiene un pequeño papel en la película, aunque bastante corto y de poca relevancia.

Reservoir Dogs - Mr. Pink vs Mr. White

Finalmente hay que destacar el soundtrack de la película, con un montón de canciones de los setenta que en todo momento están en concordancia con la estética general de la obra. La selección de temas es excelente, como en todas las películas de este talentoso director.

Puntuación: 8/10 (Notable)

Black Swan

Black Swan - Cartel Promocional

Año: 2010

Director: Darren Aronofsky

País: Estados Unidos

Duración: 108 minutos

Sinopsis: Black Swan es un thriller psicológico cuya trama gira alrededor de Nina, una bailarina que desea convertirse en el personaje principal del Lago de los Cisnes de Tchaikovsky, puesto en escena por la prestigiosa compañía de ballet de la ciudad de Nueva York. Compitiendo por el papel y presionada por el director de la compañía y una madre controladora, Nina comienza a perder el control de sí misma, descubriendo una parte dentro de su ser que no conocía hasta ese momento.

Crítica: Black Swan es una joya fílmica, que en mi opinión, ha sido parcialmente despreciada por algunas de sus principales virtudes. Pienso que la estrategia de Aronofsky, de presentar todo bajo la perspectiva de Nina fue un gran acierto, aunque el resultado final puede que no sea agradable para algunas personas. Todo el tema del desdoblamiento, que ocurre en la mente de Nina y que se ve impulsado por la presión de interpretar a los dos cisnes en el popular ballet de Tchaikovsky, se representa de manera genial y en gran medida es lo que genera una sensación de confusión en el espectador promedio.

Como espectador, hay que aceptar la propuesta del director. Lo que nos propone Aronofsky es sumergirnos en la mente de un personaje enfermo, tremendamente reprimido e incapaz de expresar sus impulsos más obscuros. La participación en el casting para el papel principal del Lago de los Cisnes, pone una gran presión sobre el personaje principal y cuando Thomas intenta sacar la parte obscura de Nina la frágil psique de la bailarina se hace trizas, con lo cual comienza a tener serias dificultades para diferenciar la realidad de los episodios de fantasía que se generan en su propia mente. De allí que en ocasiones, pareciese que la película se presenta de una forma confusa, donde al igual que Nina, no somos capaces de diferenciar entre lo real y lo imaginario. Pues si en algún momento un espectador se siente así, felicitaciones, eso es precisamente lo que busca Aronofsky. Es una película sobre una persona enferma desde la perspectiva de esa misma persona, así que no esperen un desarrollo lúcido. Disfruten la magistral confusión que genera Aronofsky.

Black Swan - Nina (Natalie Portman)

A mi particularmente me encantó la forma en que el director construye el entorno y la psique de Nina para el espectador. El ritmo casi perfecto con el que va desentrañando al personaje principal (mostrando su obsesión con el ballet, su personalidad reprimida y la relación con su madre controladora), la entrada precisa de Lily y la forma en que esta última va ganando peso en la trama en la medida en que se hace necesario. No hay duda de que Aronofsky maneja los tiempos con gran habilidad.

Mención aparte merecen las geniales actuaciones de Natalie Portman, que dio la talla en un papel que, aunque exigente, se presentaba como una gran oportunidad para desplegar al máximo las capacidades histriónicas de cualquiera que lo interpretara. La multiplicidad de registros que exigía el papel fueron abordados con mucho tino por Natalie Portman y estoy absolutamente de acuerdo con el Oscar que le otorgaron por este papel. Por otra parte, a diferencia de Portman que siempre ha demostrado su gran capacidad, Mila Kunis me sorprendió totalmente. No he visto muchas películas de Kunis, pero debo aceptar que nunca la he considerado como una gran actriz; sin embargo, en Black Swan Kunis entrega una actuación que raya en lo genial y que no desentona para nada con la sublime interpretación de Natalie Portman. En cuanto a Vincent Cassel me parece que estuvo sencillamente correcto, aunque su papel no era muy exigente.

Black Swan - Nina (Natalie Portman) y Lily (Mila Kunis)

No quiero cerrar sin destacar el nível de detalle que Aronofsky ha impreso en esta gran producción. Más allá de sus habilidades como director, que son indiscutibles, en el cierre de la película Aronofsky realizó un cuidadoso montaje del Lago de los Cisnes, demostrando un cuidado y mimo tremendo. El uso puntual de efectos especiales también fue muy oportuno y contribuyó en gran medida a la inmersión del espectador, además de favorecer el elemento estético de la obra en algunos de sus pasajes.

Para finalizar, y dejar un poco de controversia en el aire, debo decir que en mi opinión Black Swan debió haber ganado el Oscar a la mejor dirección en 2010. The King’s Speech es una gran película, con una historia genial (que además es real) y actuaciones sublimes; sin embargo, la dirección no deja de ser poco más que correcta. Por otra parte, Black Swan cuenta con una dirección genial y arriesgada, pero aparentemente su falta de convencionalidad jugó en su contra a la hora de competir por el Oscar a la mejor dirección.

Puntuación: 8/10 (Notable)

Sucker Punch

Cartel de Sucker Punch

Año: 2011

Director: Zack Snyder

País: Estados Unidos

Duración: 109 minutos

Sinopsis: Sucker Punch relata la historia de una joven que es internada por su padrastro en una deprimente institución mental, con la intención de que sea sometida a una lobotomía. La joven, junto a sus compañeras de centro, se sumerge en una realidad alternativa que le permite planear su fuga del lugar.

Crítica: Sucker Punch es una interesante obra audiovisual, en la cual Zack Snyder desencadena con total desenfado su interesante estilo visual. Lo primero que deben saber es que no goza de una trama profunda (aunque pudiese tenerla), ni de grandes actuaciones ni tampoco de un guión destacado. Todo en Sucker Punch está al servicio del aspecto visual. El montaje, los efectos, los juegos de cámaras, la puesta en escena de las secuencias de acción son absolutamente sublimes, pero la película no destaca por su profundidad.

Pese a que la trama de Sucker Punch arranca de forma interesante (luego de confirmar que las secuencias de inicio de Snyder no tienen comparación), moviéndose en los tres planos de realidad que son percibidos por el personaje principal, Snyder decidió simplificar las cosas y centrarse en la acción. Lo anterior se convierte en un lastre para la película porque se desperdicia una historia que daba para mucho, pero a su vez le permite al director centrarse en el lucimiento de su elaborado estilo visual.

Cast Principal de Sucker Punch

En algunos tramos de la obra se coquetea con lo que se pudo haber hecho, al mezclar elementos de las distintas realidades y desdibujar ligeramente las claras líneas de división entre los diversos planos; sin embargo, los intentos son aislados y escasos. Por otra parte, es admirable la capacidad creativa de Snyder, que con absoluto desparpajo mezcla elementos tan disimiles como dragones, zombies, demonios samuráis, orcos, robots, nazis, katanas, espadas medievales y armas automáticas. Todo un festival de acción. Pese a lo anterior (y aquí me opongo radicalmente a la opinión de la crítica), el paquete final tiene bastante coherencia, lograda a costa de la profundidad. En ese sentido, la cohesión de todos los elementos se logra al presentar una narración bajo una estructura con marcadas divisiones, lo que le da a la película su aspecto final de videojuego, con las diversas fases por las que deben pasar la heroína y sus compañeras de aventuras.

Finalmente debo decir que esta película tiene dos claras lecturas: la del cerebro y la de los sentidos. Sensorialmente Sucker Punch es avasallante. Snyder demuestra que no tiene parangón entre los directores de su generación en cuanto a su visión estética y el aprovechamiento de las nuevas tecnologías. Por otra parte, desde un punto de vista intelectual, Sucker Punch es decepcionante. El guión es exageradamente simple, al igual que la estructura narrativa. Durante el visionado de la película todo el tiempo piensas en lo que pudo haber sido y el guionista (el propio Snyder es coguionista) dejó pasar. Dependiendo de si puedes o no disfrutar exclusivamente del aspecto visual puede que esta película sea o no recomendable.

Puntuación: 7/10 (Buena)